QUELQUES HEURES DE PRINTEMPS

"Quelques heures de printemps" (Francia 2012) ha sido la propuesta cinematográfica de nuestro compañero Marcos Serrano para cerrar el curso.
La película de Stephan Brizé no fue estrenada en España, o si lo fue, no llegó hasta nuetros cines habituales. De forma que tuvimos que verla en versión original subtitulada.  Obtuvo un premio en Francia y el de la Crítica americana en el festival de COLCOA.

Hannah Arendt, la película

Autora Ana Azanza
Hannah Arendt ya tiene su película dirigida por Margareth von Trotta (1942), representante del llamado nuevo cine alemán. Von Trotta retrató a otras grandes mujeres como Hildegarda von Bingen o Rosa Luxemburgo. Empezó como actriz y en 1977 dirigió su primer film. Su obra más famosa es "Las hermanas alemanas" que le valió el León de oro en Venecia (1981). Mujeres que lucharon por la libertad, que debieron justificarse, mujeres que fueron duramente atacadas, marginadas por la sociedad.

En este film otra vez una mujer se enfrenta a un poder oscuro. Desde el eterno lema de Arendt: la necesidad de comprender.

El nuevo film se estrenó el 8 de enero en Berlín. Nadie dice que este previsto su estreno en España, quizás algún día llegue en inglés o alemán. "Su pensamiento cambió el mundo", es el subtítulo de la película.

En esta crítica utilizan una de sus expresiones favoritas, "pensar sin barandilla" que ha dado "filmar sin barandilla".

"El bueno, el malo y el feo", el triángulo de la perdición formado por Arendt, Heidegger, Eichmann. Arendt la pensadora judeo-alemana que en 1961 se vió frente a frente la renuncia al pensamiento de un hombre que no era tonto, pero que se negó a la reflexión para dejarse arrastrar y servir a la ideología nazi organizando los convoys de judíos a los campos. Y Heidegger, el mago del pensamiento, profesor y amante de Arendt, al que pensar no salvó de ser seducido por la ideología.




La película se centra en el episodio de la detención del nazi Eichmann en 1961 por el gobierno israelí. Fue juzgado en Jerusalén y allí fue enviada H. Arendt como "freelancer" para cubrir el evento para el "New Yorker". Como Sigfrido ante el dragón, quiere enfrentarse al mal absoluto. Pero se verá decepcionada porque no hay ningún monstruo en el banquillo. Sólo un hombre vulgar, de respuestas llenas de lugares comunes y excusas sin sentido.

De sus informaciones saldrá el libro "Eichmann en Jerusalén. Un informe sobre la banalidad del mal,", Arendt no sabía lo que se le venía encima. Ese libro sería motivo de linchamiento público, pero al mismo tiempo ha sido la expresión que más fama le ha dado. El libro influiría también en la manera de afrontar históricamente el nacionalsocialismo. Todavía hoy la controversia no está totalmente acabada, a pesar de las numerosas ediciones de la obra en todos los idiomas.

Arendt había salido de Alemania en 1933 y desde 1941 vivía en Estados Unidos, sin nacionalidad reconocida hasta 1959. Ya era famosa cuando llegó el proceso de Eichmann por "Los orígenes del totalitarismo". Fue la primera mujer que acudió a un programa de entrevistas en la televisión alemana dirigido por Gunther Graus. Allí hizo sus primeras declaraciones "bomba" sobre el nacionalsocialismo cuando afirmó que es normal tener enemigos en la vida y hasta cierto punto el antisemitismo de 1933 no fue lo decisivo. Lo que cambió todo y fue como si el abismo se abriera fue cuando se enteraron de los campos de concentración, de la fabricación de cadáveres. Se había cruzado una línea, nunca se debió permitir que sucediera.

Se han utilizado imágenes reales de la captura del Eichmann en Argentina y del proceso. Y el reto más importante de la directora ha sido llevar a la pantalla las tesis de Arendt, sus meditaciones políticas sin banalizarlas. Un diálogo de la película recoge las palabras de Arendt:

"Sin el totalitarismo no hubiéramos conocido la naturaleza radical del mal. El mal radical no tiene que ver con el egoísmo sino con el hecho de que se considere que el hombre como tal sea superficial. Para ello se construyeron los campos de concentración, para convencer a los allí encarcelados de que sobraban, la condena no tenía sentido por haber incumplido ninguna ley, y de su confinamiento no se sacaba ningún provecho, el trabajo no servía. Eran lugares donde la conducta no tenía finalidad y se producía directamente el absurdo."

Se refleja el ambiente de los judíos alemanes refugiados en América, que siguen hablando alemán, y preparando las comidas de la tierra. Discuten y se acaloran de forma que hacen sentirse extraños a los amigos norteamericanos, como la escritora Mary McCarthy íntima amiga de Hannah Arendt, que publicó su correspondencia con ella. Seguían sintiéndose extranjeros en Estados Unidos. Unos cuantos actores interpretan otras figuras del entorno de Arendt, como el filósofo Hans Jonas.
Esperemos poder disfrutar algún día de este film.

One of the Hollywood ten

Autora Ana Azanza

Gracias a nuestro compañero y amigo Pepe Fuentes he podido ver la "película sobre la pelicula". Me refiero al film británico y español de 2002 titulado "Punto de mira" que relata las vicisitudes del director de "La sal de la tierra" Herbert J. Biberman.

Jeff Goldblumm en el papel de Biberman

La película en inglés se titula "One of the Hollywood ten", y me parece que este título refleja con más acierto y gracia "de qué va". Empieza con la entrega de los Oscar en 1937, cuando Adolf Hitler sufrió la decepción de no ver premiado "El triunfo de la voluntad" una película hecha bajo sus auspicios. En esa ceremonia fue premiada como mejor actriz Gale Sondergaard, a la sazón esposa de Biberman.

Ya en esa ceremonia Gale Sondergaard aprovecha la recogida de la estatuilla para hacer un alegato en favor de un comité de actores que se manifiestan en contra del nazismo alemán. En realidad son un grupo de unas diez personas entre actores, guionistas, productores, gente del mundo del cine. Algunos forman parte del partido comunista norteamericano. Tras el final de la segunda guerra mundial las cosas se van a complicar bastante para ese grupo.

Aparece en escena un agente del FBI realmente odioso empeñado en llevar ante los tribunales americanos a todos los cineastas sospechosos de ser comunistas. El célebre macartismo.
De todo ello nos habló Marcos Serrano cuando proyectó "La sal de la tierra".

En esta película se añaden más tintes negros a la situación de Biberman y sus amigos. Primero el juicio ante el tribunal que no le deja leer su declaración y que lo condena a un tiempo de cárcel junto a otros compañeros del grupo de los Diez,  las traiciones de los hasta entonces amigos, por ejemplo los dueños de la Warner, productora que deja de ofrecer trabajo tanto a Biberman como a su mujer, la estrecha vigilancia a la que el FBI somete el domicilio, con escuchas y micrófonos ocultos incluidos.

Terminado el tiempo de cárcel surge el proyecto de rodar "La sal de la tierra". Biberman escribe el guión, se desplazan al lugar donde tuvieron lugar los hechos. Esmeralda, la mujer protagonista, iba a ser interpretada por la esposa de Biberman, pero se da cuenta de que el papel le iría mucho mejor a una actriz mejicana. Por eso contrata a Rosario Revueltas. El resto de los actores lo formarán los habitantes del pueblo minero.

Creo recordar que en la película de "La sal de la tierra" hay algunas escenas en las que Rosario Revueltas "declama" su papel en un primer plano, sin que se vea donde está situada ni si hay otros personajes alrededor. En "Punto de mira" se da la explicación: en medio del rodaje los del FBI detuvieron a Rosario Revueltas como trabajadora mejicana "sin papeles". Un juez la deportó a Méjico en el acto. Las escenas que faltaban en las que ella era protagonista hubieron de rodarse secretamente en Méjico. Y en algunas otras en las que aparecía de espaldas la sustituyó otra mujer del pueblo.
La película no se distribuyó bien. Sólo se estrenó en 30 salas de todo Estados Unidos. Biberman y su mujer se quedaron sin trabajo hasta 1971. En ese año falleció Biberman, su mujer que había sido una actriz famosa pudo reincorporarse al cine después de 21 años.

Otras curiosidades de "Punto de mira": además de Angela Molina en el papel de Rosario Revueltas

Angela Molina

hay más participación española. La segunda parte de la película se ha rodado en la Unión, por lo de las minas supongo, Cartagena y algunos pueblos más de Murcia y Almería.

La película refleja  la persecución obsesiva contra los "comunistas antiamericanos". Me pregunto qué mecanismos tiene la mente humana para que en todo tiempo y lugar sobren voluntarios dispuestos a montar tribunales de la inquisición por los motivos más peregrinos e indemostrables. Hartazgo de humanidad....

Luna de Avellaneda

Autora Ana Azanza

Nos gustó y se nos quedó pegada la melodía de esta película ("Siga el baile, siga el baile...") escogida por Pepe Fuentes para ilustrar el exilio de los españoles en Argentina.

He encontrado muy buenas críticas en filmaffinity, traigo una de ellas. No tuvimos mucho tiempo para la discusión dada la duración de la misma, dos horas y media. Además queríamos escuchar a Muñoz Molina en la presentación de su última novela:

"Juan José Campanella demuestra que posee las cualidades propias de un director de fuste y de gran calidad. La película presenta una historia hecha de cotidianeidad, sencillez, personajes humanos, situaciones normales, reacciones verosímiles, que componen en conjunto un excelente retazo de la vida misma. No hay grandilocuencias, ni exageraciones, ni espectacularidades, porque la vida está hecha de otros materiales: dudas, debilidades, ambiciones, desamores, amor, dignidad, contradicciones. El guión, del que Campanella es co-autor, entrelaza varias pequeñas historias de personas ligadas al Club Luna de Avellaneda (la de Román y Verónica, la de Cristina y Amadeo, etc.) con la historia central, que es la del propio club: sus dificultades de subsistencia, su esplendor perdido, su pasado brillante, su utilidad para el deporte de los jóvenes, para el ballet de las niñas y los niños, las funciones sociales con espectáculos de baile español, los bailes de sociedad, los ágapes de camaradería. La superposición de varias historias se hace con habilidad, con corrección y con resultados positivos para el desarrollo de la acción general, que resulta entretenida, interesante y que, poco a poco, se hace apasionante. La fotografía a la luz del día y a la luz de las farolas es brillante y de una belleza plástica sorprendente. La cámara aprovecha el recurso de los encuadres fijos para realzar el movimiento de los actores y para invitar al espectador a penetrar en su intimidad. En otras ocasiones, el movimiento de la cámara es breve y ajustado, o bien más dilatado, pero en todo caso suave, limpio y respetuoso. La cámara en ningún momento pretende formar parte de la acción, sólo desea reflejarla, y eso en los tiempos que corren merece un elogio. La interpretación de Ricardo Darín está a la altura de su calidad artística, al igual que la de Eduardo Blanco, un secundario de lujo que aporta a la película momentos destacados de humanidad, ternura y emoción. El duelo oratorio entre Román Maldonado (Ricardo Darín) y Alejandro constituye, tal vez, el punto culminante de la película. En su desarrollo se enfrenta el pragmatismo y el utilitarismo de Alejandro con el idealismo y el voluntarismo nostálgico de Román. La secuencia se presenta en términos de gran sinceridad y transparencia: las emociones se distribuyen entre las dos posturas y los votos también. Al fin, los derrotados por escaso margen pueden ser los que ganen, porque la vida continúa."

Las dos Hipatias

Autora Ana Azanza

En nuestra primera reunión de este año ha salido el tema de Hipatia, la película. Nos ha faltado la opinión de uno de los dos cinéfilos que hoy actuaba en el teatro.

Al otro parece no haberle gustado demasiado.

Agora no me ha desagradado. Critican que utilizar las imágenes de Google Earth ya está muy visto. Incluso queda un poco vulgar. En este caso no me parece que sea así. La gran obsesión de Hipatia a lo largo del film es cómo explicar las trayectorias de las errantes (los planetas) en el firmamento terrestre. La solución de Ptolomeo con sus ecuantes y deferentes la he entendido mejor con el "trasto" que saca el alumno de Hipatia en clase para explicar el sistema ptolemaico.

Subyace como una provocación la solución de Aristarco, el heliocentrismo, que en aquellos tiempos parecía estrafalaria. El momento en que un personaje subido a una tapia, al margen del resto de la concurrencia, recuerda la idea de que el sol sería el centro me ha parecido brillante. Alguien desde una posición "excéntrica" en el doble sentido de la palabra, no se confunde con la audiencia dice algo extraño, que para nosotros, espectadores del siglo XX es rutinario: el sol es el centro y la tierra gira alrededor junto con los demás planetas.

Me gusta cómo se lleva esta inquietud intelectual a lo largo de la película. También me ha parecido un acierto del director traer a colación una mujer, que por una vez en la historia del cine, de la filosofía, de todo, su centro no es un hombre ni "otros" sino ella misma y sus investigaciones. Nos faltan modelos de mujer distintos a los clásicos. Queremos una sociedad igualitaria en la que no haga falta establecer cuotas de mujeres y hombres, pero estamos lejos de que eso sea realidad.

Ayer mismo hubo un reportaje en Documentos TV basado en las preguntas y contestataciones de la célebre señorita Francis. Había que escuchar las preguntas que tanto hombres como mujeres españoles hacían cuarenta años atrás, y había que escuchar las respuestas. Sociedad domesticada.

¿Sufría España en aquellos tiempos de parálisis cerebral?

Desprenderse de este acostumbramiento a no pensar nos está llevando tiempo.

En mi más tierna infancia todavía esta señora se prodigaba en la radio explicando a las jóvenes españolas asuntos que "la pluma no quiere ni puede expresar".

Dicen que le faltan amores a Hipatia, que ha sido una queja de la propia Raquel Weisz. Otra innovación, siendo una mujer la protagonista. Aplaudo a Amenábar por ello.

Hay un momento en que la filósofa está recostada y su discípulo enamorado con ella, parece que la cosa va a ir por el camino habitual. Pero entonces Hipatia se levanta de un salto preocupada por el problema astronómico. Decepción para los románticos.

Me encantan los amores y que la gente se quiera. Pero los clichés están para ir rompiéndolos. Y esta Hipatia convence, es diferente.

Finalmente la gran temática del fanatismo religioso. Concretamente el fanatismo de los cristianos, que dejan de ser una religión perseguida, está reciente el Edicto de Milán (313), para convertirse en perseguidora. No tardó nada en producirse tan terrible transformación.

Dicen que no sólo los cristianos también los musulmanes incendiaron la biblioteca.

Pero eso no le quita gravedad al hecho de que Cirilo, patriarca de Alejandría, que luego sería san Cirilo, padre de la iglesia, protagonista del concilio de Efeso (sin su decisiva intervención María no habría sido Madre de Dios), se sintió molesto por la ciencia de Hipatia. Por muy padre de la iglesia que lo hayan hecho fue un fanático que manipuló a las masas para sus propósitos.

La utilización de textos bíblicos para justificar que no se puede ni se debe escuchar a una mujer: "La mujer calle en la iglesia." La reacción de los notables alejandrinos que en vez de protestar ante la injusticia callan, agachan la cabeza y se someten a la manipulada "palabra de Dios". Y al final el martirio de Hipatia a manos de los monjes.

Cirilo no se contentó con cerrar la biblioteca y acabar con Hipatia. También los judíos le molestaban. Empezaba así el antisemitismo de los cristianos que no se quiere reconocer y que ha llegado hasta nuestros días.

Hipatia es insultada por sus agresores con dos palabras clave en la historia del sometimiento de la mujer: ¿Qué se dice de una mujer cuando se la quiere degradar? aunque probablemente los mismos que insultan sean los usuarios, encantados de que exista esa explotación de las mujeres.

El segundo insulto: si además de mujer Hipatia era científica, sólo podía ser una bruja.

En conclusión: la película toca temas bien interesantes de los que tratamos en primero de bachiller o en "cambios sociales y de género": mujer y ciencia, ciencia antigua, ciencia y religión...

Incluso si a los actores les falta garra interpretativa para mí esta película no caerá en el olvido.

Ordet

En la última reunión Marcos nos propuso esta película de Dreyer, un cineasta nada prolífico y muy perfeccionista como lo demuestran 14 películas en 54 años.

La película sorprende, más si se está acostumbrado al cine contemporáneo. Me he ilustrado sobre ella viendo el programa que hizo José Luis Garci. Lo primero es que el tema de la película la fe está tratado de manera muy profunda. Y además hay grandes sentimientos. Al mismo tiempo no es un sermón, es realista. Los personajes siempre están haciendo algo a la vez que hablan sobre cuestiones graves y no tan graves: devanando una madeja, preparando café, haciendo una masa, cosiendo... Y como señala uno de los contertulios de Garci Dreyer sustenta "en emociones una película con filosofía". Profundamente metafísica. Ordet representa la trascendencia en la máxima cotidianeidad.

Hay un viaje iniciático del cuerpo hacia el alma y del alma hacia el cuerpo como lo demuestra la escena final de la pareja protagonista, tras el milagro empieza una nueva vida y lo vemos en el amor de Ingrid por su marido.
Dreyer, lector de Kierkegaard, se permite bromear sobre la locura de Johannes, el personaje que se cree Jesús, originada en leer
a este filósofo. La erudición lleva a la locura mientras que los sentimientos sencillos dan con la fe: la niña que confía sin asomo de duda produce el milagro. Al tiempo los propósitos del pastor y del médico, el uno queriendo explicar lo que no necesita explicación, y el otro presumiendo de su ciencia, los dejan en el peor lugar posible dentro de las diferentes actitudes de los personajes ante la trascendencia.

Parece que Dreyer estaba en "estado de gracia", su cine es inimitable y en Ordet da más preguntas que respuestas. Con enorme simplicidad de medios, los muebles pertenecían a los campesinos de Jutlandia, compone auténticos cuadros que hacen pensar en los grandes de la pintura clásica. No corta los planos, hay tensas panorámicas, la cámara va como flotando, es la mirada, tiene el punto de vista del corazón del espectador. Una película hecha cerca de la pintura, te sientes dentro del cuadro, y a la vez con un sentido del tiempo, un ritmo casi musical. Puro arte. Sin olvidar la luz blanca que entra por las ventanas del velatorio donde está Ingrid recién muerta.

No hay acción, por eso resulta extraña si se llega a ella desde el cine comercial de hoy, pero tiene conflicto. Está llena de simbolismos: cuando se habla de la muerte, los faros de un coche barren la habitación, al morir Ingrid su marido para el reloj, y lo pone en marcha tras el milagro, en el camino a la casa del sastre a la ida y a la vuelta aparece la cruz, se oyen los gruñidos de los animales como signo de vida cuando nuera y suegro hablan de la fe... Realidad e irrealidad se dan la mano hasta el final.

En definitva, una experiencia filosófico-cinematográfica difícil de igualar.

Antonia's line

Es la película que nos propuso Pepe Fuentes en la última reunión del grupo.

He encontrado lo que en 1996 dijo la autora del film Marleen Gorris cuando se estrenó en España:

Artículo publicado en El Mundo, el 26/04/1996

BARCELONA.- Marleen Gorris es consciente de que Antonia s line, la cinta por la que mereció el Oscar a la Mejor Película Extranjera de 1995 y que hoy se estrena en la cartelera española, «probablemente molestará a muchos hombres». Pero no le importa. Está acostumbrada a que sus filmes «siempre despiertan controversias». La directora holandesa se declara feminista, por lo que reconoce que su película también lo es.

«Las sagas familiares siempre se han contado a través de los hombres de la familia. Siempre hablan de un hijo del hijo del hijo. Se olvida que quienes paren no son los hombres, sino que son las mujeres». Ella no lo ha olvidado y Antonia s line no es más ni menos que la historia de una familia contada a través de cuatro generaciones de mujeres que, además, no conceden excesiva importancia a los hombres que entran a formar parte de sus vidas.

«Las mujeres son los carácteres principales de Antonia s line. En mi cinta no todos los hombres son importantes o no lo son tanto y algunos, incluso, son impresentables. Parece que esto es de difícil comprensión para algunos hombres».

Marleen Gorris ambienta la historia de estas cuatro mujeres en un mundo que cabalga entre la fantasía y la realidad, un mundo en el que los vivos hablan con los muertos y que la directora recrea en un pequeño pueblo holandés -como en el que ella nació- plagado de personajes extraños aunque no estrafalarios, «porque de niño nada te parece raro». Esta es la primera película de Gorris que no transcurre en una ciudad.

No quiere definir su cuarta película como «un cuento de hadas», aunque reconoce que ha tomado prestados muchos elementos, pero reconoce que no le interesaba dirigir una película realista: «No quería retratar la vida en el campo. Preferí otros niveles más allá del realismo del trabajo y la vida dura. Quería hablar de la vida y de la muerte, de cómo crecer, cómo envejecer y cómo educar a nuestros hijos. Aprender a vivir es, precisamente, la tarea más importante de mi vida».